Tate Modern a Londra

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Tate Modern

Oggi è diventato il secondo museo più visitato a Londra dopo il British Museum. L'architettura dell'edificio è sorprendente, ristrutturata completamente, ad eccezione della scatola di vetro che corona l'edificio, che ospita la caffetteria, e l'enorme sala turbine, che è l'ingresso all'edificio e di solito ospita installazioni artistiche temporanee.

La Tate è stata ristrutturata per far parte di quei progetti più o meno problematici chiamati Millennium Projects, realizzati per celebrare l'anno 2000. Si trova sulla riva sud del Tamigi, e anche se tutte le guide turistiche consigliano Southwark come la più vicina stazione della metropolitana, la mia raccomandazione per il turista è di andare alla stazione di San Paul o Blackfriars, dall'altra parte del fiume, e da lì attraversare il Millennium Bridge, che appare come un ingresso trionfale al museo.

Lunga oltre 200 metri e alta in alcuni punti quasi 100, destinata a esempio di archeologia industriale, la centrale è rinata a nuova e oggi il grande museo conta cinque livelli di esposizioni e una fantastica hall d'ingresso, la Turbine Hall.

Interessante la suddivisione delle opere della collezione permanente, raggruppate non per data ma per argomento/soggetto. Basandosi su questo originale criterio di suddivisione le opere sono distinte in quattro categorie: material gestures, poetry and dream, idea and object, state of flux.

L'ingesso alla collezione permanente e alle esibizioni che si tengono nella Turbine Hall (ingresso) è gratuito.

Tra le principali opere della Tate Modern:

1. Composizione C (N. III) con rosso, giallo e blu - Piet Mondrian - 1935 (Sala 2)
Composizione Mondrian cPiso 4. "Struttura e chiarezza". Sala 2: "Intorno all'arte astratta 1920-1935".

Mondrian è uno degli artisti più importanti e influenti dell'astrazione geometrica. Cambiò questa tendenza quando vide a Parigi le opere cubiste di Braque e Picasso nel 1910 (alcune delle quali sono anche alla Tate). Sette anni dopo, tornato in Olanda, incontra Theo van Doesburg, con il quale fonda il quotidiano e movimento De Stjil ("Lo Stile"), dove dà libero sfogo alle sue convinzioni artistiche, che chiama "neoplasticismo". Pensava che l'arte non dovesse rappresentare immagini di oggetti reali, ma solo esprimere l'assoluto e l'universale che si nasconde dietro la realtà. A tal fine, elimina le linee curve di tutte le sue opere e si limita a dipingere linee rette e angolari, chiamando quasi tutte le sue opere "Composizione" e utilizzando in esse solo il bianco, il nero e i colori primari (rosso, blu e giallo), che considerava i colori elementari dell'universo. I dipinti di Mondrian influenzarono notevolmente altri rami artistici, come i disegni della Casa di Hermès o di Ives Saint-Laurent, così come il disegno industriale e più tardi il disegno grafico.

2. Testa di donna (Fernande)- Pablo Picasso - 1909 (Sala 11)

Ci sono diverse opere di Picasso alla Tate Modern, ma è interessante sottolineare questa perché è una scultura, un'arte che siamo meno abituati a vedere con la sua firma. La testa di questa donna rappresenta la sua amante di quel momento: Fernande Olivier. I due si incontrarono a Parigi, in un edificio conosciuto come il Bateau-Lavoir, dove vissero artisti e scrittori e dove Picasso si era stabilito nel 1903. Con questo lavoro (che ha diverse repliche esposte in altri musei), Picasso raggiunge quello che nessun altro ha raggiunto fino ad allora: trasferire l'espressione pittorica dal cubismo alla scultura. Il cubismo suppone la sintesi della natura in forme puramente geometriche; Picasso porterà avanti questo concetto anche negli anni successivi, riuscendo a disfare l'unico punto di vista, rappresentato fin dal Rinascimento, per rappresentare più punti di vista nella stessa opera, che fa apparire sfigurate le sue figure. Fino a quando non si separò da Fernande nel 1912, la possiamo vedere come una musa in quasi tutte le opere dell'artista.

3. Ninfee - Claude Monet - dopo il 1916 (Sala 10)

Quest'opera fa parte di una serie omonima che Monet dipinse dal 1890 fino alla sua morte nel 1926 nella sua casa di Giverny, a nord-ovest di Parigi. L'artista stesso si rese conto di essere ossessionato dalla pittura del suo laghetto giapponese. Monet fu il precursore del movimento impressionista, che nelle sue opere cercava quasi ossessivamente l'espressione della luce, dell'istante e della modernità. Questo movimento, prevalentemente francese, influenzò altri artisti successivi, dando una svolta alla pittura dell'epoca (da un lato, realistica e dura, dall'altro con temi mitici). Senza dubbio, Monet era quello che più si preoccupava di catturare la luce, e che produsse una serie di innumerevoli opere sullo stesso argomento in momenti diversi della giornata. Queste ninfee sono il culmine del loro fascino per la luce e i suoi effetti in un ambiente naturale. Si è preoccupato tanto di questo, ne ha dimenticato i modi realistici.

4. Isole Gialle - Jackson Pollock - 1952 (Sala 2)
 
Pollock fu l'inventore di una nuova tecnica pittorica chiamata "Action Painting", che consisteva nel dipingere inconsciamente, come un automa. Posò la tela sul pavimento e usò i pennelli con movimenti improvvisi, con pennellate che a volte superavano la tela stessa e persino bilanciando le bombolette di vernice su di essa. In questo caso si possono vedere le macchie di vernice nera che, ancora bagnate, sono state versate sulla tela una volta posizionata verticalmente. Pollock arrivò a dire che quando dipingeva non era molto consapevole di ciò che stava accadendo, si lasciò trasportare dalla sensazione del momento, lasciando cadere la vernice e muovendosi liberamente intorno alla tela.

5. Adolf, il superuomo: rondini d'oro e beccucci rifiuti - John Heartfield - 1932 (Sala 5)

L'intera sala è dedicata ai fotomontaggi di Heartfield, ma questo è senza dubbio uno dei più famosi. Anche se Hitler non aveva ancora una posizione di potere al momento di questa composizione, Heartfield mostra l'atmosfera del momento e presuppone le terribili conseguenze che ne deriverebbero, anche sostenendo, nella sua firma, che si tratta di una radiografia e non un fotomontaggio. Heartfield appartiene al movimento Dadaista, che in Europa è caratterizzato dalla beffa degli artisti borghesi e proclama un modo di agire un po' inconsapevole, ma in Germania è vissuto in modo più critico e acido, a causa della sua situazione politica. L'artista non mancò di condannare le politiche del Terzo Reich e di Hitler, e dovette fuggire in Cecoslovacchia. Nelle sue opere esprime anche la sua affiliazione al Partito Comunista e alla sua ideologia marxista. Le aspre critiche di questo artista giunsero in Spagna, come si può vedere in "Madrid 1936″, nella stessa sala (in preda alla Guerra Civile).

6. Cadeau - Man Ray - 1921 (replica 1972) (Sala 2)

Man Ray è, insieme a Salvador Dalí è la figura più importante del Surrealismo, una tendenza che ha lodato la creazione di opere in modo automatico, senza lasciare spazio alla ragione o alla realtà. Anche se l'autore è meglio conosciuto come fotografo, questo pezzo (e il Telefono Aragosta di Dalí, che ha anche la Tate ma non è in mostra) è uno dei più importanti del movimento, dal momento che Man Ray prende un elemento quotidiano, un ferro da stiro, e lo trasforma in qualcosa di inutile, strano e un po' inquietante con connotazioni un po' sadiche, molto nel modo di pensare dell'autore. Si spinse fino a dire che l'aspetto erotico dello spettacolo derivava dall'aver strappato un abito a righe con lui e averlo messo su una giovane ragazza per ballare. L'opera originale del 1921 è stata rubata durante la sua prima mostra, questo è uno dei cinque test per le repliche che l'artista fece per una galleria italiana nel 1972.

8. Testa di agricoltore catalano - Joan Miró - 1925

Una delle opere più importanti di Miró negli anni '20, con la quale riafferma la sua identità catalana, è per questo che di solito viene intesa come un autoritratto. Lo stesso Miró arrivò a dire di aver dipinto quest'opera tra allucinazioni, molto in stile surrealista, per il contatto che ebbe con questi artisti a Parigi. Infatti, qualcosa di molto comune tra gli artisti del gruppo era quello di sperimentare le composizioni dopo avere assunto diversi farmaci per rimanere fuori dalla realtà e raggiungere il vero inconscio con il loro lavoro. Questo personaggio onirico si può vedere nei colori utilizzati qui dall'artista. Anche se Miró è incluso nel Surrealismo, il suo modo di dipingere e i temi che tratta finiscono per allontanarlo dal percorso segnato da artisti come Man Ray o Dalí.

9. Whaam! - Roy Lichtenstein - 1963

Questo lavoro si basa su un'immagine di "All American Men of War" pubblicata da DC Comics nel 1962. Lichtenstein è, insieme a Warhol, il più importante artista della Pop Art, un movimento che rivendica la cultura pop delle masse come unica e vera. Attraverso il suo lavoro si può vedere un'ispirazione e un'ironia verso il fumetto, la pubblicità e, in generale, verso tutto ciò che costituisce la cultura di massa della metà del XX secolo negli Stati Uniti. Anche la tecnica di Lichtenstein si basa sui fumetti; anche se sembrano serigrafie su larga scala, in realtà sono macchie di vernice fatte a mano.

Orari Tate Modern

10.00 - 18.00 dalla domenica al giovedì

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